B. 2. Musik als Alltagskunst

Die Postmoderne schuf ein neues Verhältnis zwischen Kunst und Masse, das unter anderem auch zur Einebnung des Unterschieds zwischen Hochkultur und populärer Kultur führte. Mit der modernen Massenmusik entstand eine Kunstpraxis, die in Verbindung von Show, Musik, Poesie, Bildern und Politik ein multimediales Ereignis schuf, in dessen Kontext sich ein neues künstlerisches Selbstbewusstsein geltend machen konnte, dessen Bestandteil es ist, sich auf die ökonomischen und technischen Bedingungen der von den Medien arrangierten kulturellen Massenprozesse einzulassen und darin selbst zum Medium zu werden(vgl. Wicke 1986).

Die Kunst ist in der Popkultur aufgegangen. An der Front der Zeichen- und kulturellen Originalitätsproduktion finden wir nicht mehr den Künstler, sondern die Produzenten von Entertainment, Werbung und Musik-Clips. Der Kunsthistoriker Beat Wyss (in Jörg Huber, 2000) beschreibt diese Situation wie folgt: "Die Pop-Kultur eröffnete eine neue Sichtweise auf die Welt: den flachen Blick von unten. Hatten die humanistischen Eliten in Freimaurerlogen, Akademien und Politbüros gethront, ist der Platz der Künstler und Intellektuellen heute mitten im Basar der Waren, Moden und Meinungen." Boris Groys (in Gardner, 1998) kommt daher zu dem Schluss, dass sich die Rolle des Künstlers gewandelt hat vom Produzenten hin zum Konsumenten von Dingen, die sowieso schon in der kulturellen Sphäre zirkulieren. Produziert werden statt Kunstwerken neue Haltungen, neue Konsummuster und neue Wünsche. Wichtig wird in diesem Zusammenhang auch die Verwendung von Produkten auf besonders interessante Art und Weise – was den popkulturellen Künstler vom herkömmlichen, zweckorientierten Bastler unterscheidet. Die wesentlichen Aufgabenstellungen lauten daher: Sammeln, Selektieren, Geschmacksdesign. Der Künstler ist also nicht mehr Schöpfer im eigentlichen Sinn, sondern spielt die Rolle des Regisseurs, Kurators, DJs. Und als solcher gibt er, so stellt Beat Wyss fest, "Wahrnehmungsanweisungen an das Publikum." Insofern stellt der Künstler neuer Prägung auf die zwei zentralen knappen Ressourcen der New Economy ab: nämlich auf Aufmerksamkeit und Orientierung.

Kunst und Alltagserfahrung durchdringen heute einander und repräsentieren eine daraus hervorgehende neue Konzeption von Musik, deren Entstehung eng mit der Medienrealität verbunden ist. Indem Kunst in den Alltag transformiert wurde, ist sie zu einem Bestandteil der Alltagserfahrung geworden, der Sinn stiftet und Vergnügen vermittelt.

Das Neue liegt dabei nicht in den verwendeten Materialien, sondern in der Funktion, in der diese eingesetzt werden. Nach Rösing lassen sich die Funktionen von Musik allgemein in den gesellschaftlichen-kommunikativen und den individuell-psychischen Bereich aufteilen. Zum gesellschaftlich-kommunikativen Bereich gehören magische, rituelle, sakrale, repräsentative, festliche, bewegungskoordinierende und -aktivierende, gemeinschaftsbindende, gruppenstabilisierende, erzieherische, gesellschaftskritische, verständigende, kontaktaufnehmende und selbstverwirklichende Funktionen.
Im individuell-psychischen Bereich stehen emotionale Kompensation, Einsamkeitsüberbrückung, Konfliktbewältigung, Entspannung, Aktivierung und Unterhaltung im Vordergrund (Rösing in Lipp Hg. 1992, S. 315).

Auch in Bezug auf das Verhältnis von Fangemeinde und Kultfigur können verschiedene Aspekte dieser Funktionen relevant werden, wobei die Kultfigur selbst noch die Funktion hat, Angebote auf der Symbolebene zu machen, die zur Orientierung, Integration, Stabilisierung und Identitätskonstruktion bei den Fans beitragen können. Es ergänzen sich so in der Musikkultur die Funktionen von Musik und Stars in vielfältiger Weise.
Es zeigt sich also, dass sich diese Kunstform nicht auf Material, Form, Inhalt oder Aussage reduzieren lässt, sondern dass sie gleichzeitig immer auch einen funktionellen Aspekt beinhaltet. Man kann somit bei der modernen Rock- und Popmusik eine Dominanz der Zwecke, einer pragmatischen Ebene erkennen. Zwecke können sich vielfach an Inhalte anknüpfen, doch liegen die Dinge anders, wenn Kunst nicht nur über die gewünschten Zwecke belehrt, sie zur Realisierung empfiehlt, sondern diese Realisierung auch gleich selbst erreicht. Ähnlich wie im sakralen Bereich rituelle Gesänge im Bewusstsein der Kultgemeinde das Gewollte nicht nur meinen, sondern auch bewirken können, kann auch im profanen Bereich der Musikkultur nicht nur von Gefühlszuständen geredet, sondern zugleich in sie versetzt werden.

Mit dem Aufkommen der Rockmusik artikulierte eine junge Generation den Aufstand gegen die ältere. Es wurde dabei nicht nur von einer veränderten Lebensweise geredet oder gesungen, sondern sie wurde in dieser Musikpraxis auch gleich vollzogen. Im Vordergrund für die jugendlichen Rezipienten stand das pragmatische einer veränderten Lebensweise, die im Zusammenhang mit der Musik realisiert werden konnte.

Vom kulturanthropologischen Ansatz her kann Kunst allgemein als eine Konstante angesehen werden, die durch die symbolhafte Bearbeitung der natürlichen und kulturellen Umwelt und deren Darstellung in Form künstlerischer Objekte die Stellung des Menschen und den subjektiven Sinn, der dieser Stellung zugeschrieben wird, versinnbildlicht. Es werden durch sie lebensweltliche Sinnesfundamente vermittelt, wobei die künstlerische Interpretation und Nachbildung der objektiven Welt eine symbolische Sekundärwelt konstruiert, deren Merkmale eine Überhöhung und Oberprägnanz der Ersteren darstellt.

Wie in wenig differenzierten Gesellschaften liegt auch für die plurale Vielfalt jugendkultureller Stile der funktionale Wert der Kunstform Massenmusik in der exemplarischen Präsentation der Lebenswelten und der ihnen zugrundeliegenden Sinnzusammenhänge. Kunst hat hier wie in "einfachen" Gesellschaften einen direkten Bezug zum praktischen Leben - ist effizient insofern, als sie in der Vorstellung jener, die mit ihr konfrontiert sind Wirkung erzielt. Ihre symbolische Zielgerichtetheit erklärt auch die enge Verbindung mit mythologischen und rituellen Elementen (vgl. Obrecht 1990, S. 41).

In den 60er Jahren versuchten sich die Kommunen von Haight Ashbury in San Francisco als Laboratorien eines Lebensstils, der nicht nur die Kunst prägte, sondern das Leben selbst zum Kunstwerk machte, wie das schon im ersten Viertel des Jahrhunderts als Ästhetisierung des Alltags von Surrealismus und "Bauhaus" versucht worden war. Ästhetik soll dabei nicht in den Werken der Kunst eingefroren werden, sondern in die Realität einströmen. Kunst redet hier nicht nur von etwas, sondern realisiert sich zugleich. Dies stellt einen speziellen Fall angewandter Kunst dar, in dem diese direkt auf den Menschen selbst, auf sein Leben, vor allem sein Innenleben angewandt wird, fast im Grade einer Manipulation oder Autosuggestion. Hifi-Anlagen, Diskotheken und Konzerte suggerieren heute dem jugendlichen Publikum die Gewissheit, etwas zu erleben. Die Musikkultur induziert inmitten von Krisen der Jugendphase das untrügliche Gefühl, noch da zu sein. In erster Linie geht es somit um praktische Wirkung: Traum und Rausch sind wichtig, das auslösende Stimulans bleibt lediglich sekundär. Das "Novum" der modernen Massenmusik liegt damit nicht in den verwendeten Materialien, sondern in deren Funktion. Selbst im Konzert verschiebt sich der Akzent von einer konzertanten zu einer therapeutischen, in welcher der Rezipient in ein Art orgiastischer Verwischung die Grenzen zwischen den Individuen, zwischen Innen und Außen, zwischen Realität und Traum aufheben kann. Kunst wurde so wieder eine Art säkularisiertes Ritual, das nichts desto trotz seine Zelebranten in Trance versetzen kann, infolge einer induzierten Surrealität zu einer Art Seelenwäsche verhilft.

Vor allem die Jugend erkennt sich in dieser Musik mit ihrer Freude und Trauer, Sehnsucht und Zorn, Zustimmung und Ablehnung zu ihrer eigenen Zeit wieder. Dies geht einher mit einer manchmal kultischen Verehrung von Idolen, die all das zu repräsentieren scheinen und zeigt so ein "Bedürfnis nach der Kompromisslosigkeit des Heiligen" auf (zit. nach Kapner 1991, S. 71).